봄의 시작을 알리는 3월, 아뜰리에 아키는 오는 3월 12일부터 4월 25일까지 그룹전 《사물의 시간 Objects in Time》을 개최한다. 밀레니얼 세대 작가 김혜영, 이미정, 이정웅이 참여한 이번 전시는 21세기 조형예술에서 사물이 어떠한 방식으로 의미를 획득하고 전환되는지를 조명한다. 작가 3인은 회화와 조각 등의 매체를 통해 일상의 사물을 다루며, 그 안에 스며든 기억과 감정, 시선의 흔적을 드러냄으로써 동시대 예술에서 ‘사물’을 인식하는 감각의 지형을 재구성한다. 그들에게 사물은 정지된 대상이 아니라, 사용과 잔존의 과정을 거치며 의미가 축적된 존재로 자리한다. 작품 속 사물들은 고요한 형태를 띠고 있지만, 그 내부에는 축적된 시간과 미묘한 긴장이 공존하며, 전시 안에서 하나의 장면으로 기능한다.

동시대의 보편적 감각을 ‘조립식 회화’라는 실험적 형식으로 탐구해온 작가이미정은 이번 전시에서 시간 속에 놓인 사물을 모티브로 한 신작을 선보인다. 작품 , 는 작가가 꾸준히 탐구해온 창(Window)과 프레임(Frame)을 구조적 장치로 삼아 전개된다. 빛과 별, 하루의 흐름과 같은 시간성을 지닌 요소들은 사물과 함께 화면 안에 조립되며, 프레임은 단순한 경계를 넘어 ‘액자 안의 시간’을 구성하는 틀로 기능한다. 이때 창과 프레임은 장면을 고정하는 장치가 아니라, 서로 다른 시간대가 공존하는 공간을 조직하는 구조로 확장된다.

술잔이 놓인 높은 테이블과 간식이 놓인 낮은 테이블이 한 화면에 병치된 작품 과 에서 이러한 구조는 더욱 선명해진다. 높은 테이블 위의 술잔은 어른의 시간을, 낮은 테이블은 아이의 시간을 암시하며, 서로 다른 삶의 리듬과 시선이 위계 없이 한 장면 안에서 교차한다. 시선의 높낮이와 사물의 배치는 두 시간대를 분리하기보다 중첩시키며, 사물은 단순한 물건이 아니라 기억과 경험을 매개하는 요소로 전환된다.

정물화라는 고전적 장르를 동시대적 감각으로 재해석해온 이정웅의 정물은 고요하지만 정적이지 않다. 그것은 재현된 사물이 아니라, 시간과 환영을 통과해 선별되고 의미화된 표상이며, 화면은 사물이 놓이는 장소가 아니라 서로 다른 세계와 시간대가 겹쳐지는 구조로 작동한다.

이번 전시에서 처음 선보이는 연작을 통해 작가는 정물화를 ‘Cabinet of Curiosities(분더캄머)’의 개념적 틀 안에서 재구성한다. 사물은 더 이상 단순한 대상이 아니라, 작가의 사유와 취향, 수집과 선택의 과정이 응축된 하나의 컬렉션으로 자리한다. 작품 <새발의 물고기와 고니머리 그리고 라넌큘러스>에서 사냥된 새의 굽은 목과 날개는 시들어가는 꽃의 곡선과 맞닿으며 생명과 소멸의 경계를 암시한다. 심연에서 건져 올린 듯한 물고기는 현실과 상상의 경계를 넘나드는 혼종적 존재로 자리한다. 중세 동물 도감 형식의 삽화 필사본 베스티아리(Bestiary)가 실제와 상상을 융합해 세계를 이해하려 했듯, 이정웅의 화면 역시 현실과 환영이 교차하는 장으로 작동한다. 그의 작업은 밀도 높은 관찰을 통해 시간의 축적을 드러내는 과정이다. 빛의 각도에 따라 서서히 변하는 꽃잎의 색, 깃털과 비늘 위를 스쳐 지나가는 음영은 정지된 형상 속에 머물렀던 시간을 가시화한다. 화면에 놓인 사물은 멈춰 있는 듯 보이지만, 그 표면에는 빛과 시선이 통과한 흔적이 겹겹이 쌓이며 대상은 규정되지 않은 채 시간이 스며든 형상으로 변형된다. 이러한 시간의 축적과 변모의 과정 속에서 사물은 단순한 물질적 대상을 넘어선다. 그것은 작가의 상상력과 신념이 투영된 ‘가치를 지닌 실체’로 존재론적 전이를 이루며, 익숙한 사물은 해체와 재조합을 거쳐 낯선 표상으로 재탄생한다.

현실의 풍경을 모티브로 실제의 시간성과는 다른 질서로 재배열하는 ‘헤테로토피아(Heterotopia)’적 화면을 구축해온 작가 김혜영은 이번 전시에서 대상을 매개로 관계의 구조를 탐색한다. 그녀의 화면은 현실을 재현하는 듯 보이지만, 구체적 장소와 시간은 유예된 채 이질적인 요소들이 병치되며 또 하나의 공간적 층위를 형성한다. 이때 회화는 단순한 풍경의 재현을 넘어, 현실의 질서가 잠시 전복되거나 재구성되는 사유의 장으로 기능한다.

30점으로 구성된 연작 <가진 것, 가지지 못한 것>은 하나의 커다란 테이블에서 출발한다. 테이블은 사물을 올려두는 물리적 공간이자, 사람들이 마주하며 관계를 형성하는 사회적 장이다. 이 공간 위에 놓인 사물들은 겉으로는 모두 ‘가진 것’처럼 보이지만, 작가는 그 사이에 잠재된 서사를 개입시킴으로써 ‘가짐’과 ‘가지지 못함’을 분명히 가를 수 없는 상태로 제시한다. 화면 안에서 두 범주는 서로를 배제하지 않은 채 하나의 장면 속에 공존하며, 어떤 것은 끝내 도달할 수 없는 욕망의 대상으로 남고, 어떤 것은 잠시 머물다 사라지는 존재로 제시된다. 이처럼 김혜영의 화면은 사물이 어떻게 머무르고, 스며들고, 사라지며 의미를 형성하는지를 드러내며, 우리가 일상 속에서 마주하는 사물 또한 단순한 대상이 아니라 시간의 층위를 내포한 존재임을 환기시킨다.


작가 소개

김혜영 (b.1995)은 고독과 고요의 감각을 통해 현실과 내면이 교차하는 사유의 공간을 구축함으로써 사적인 풍경이자 ‘헤테로토피아(Heterotopia)’적 화면을 제안한다. 작가는 덕성여자대학교 동양화과를 졸업하였으며, 주요 개인전으로는 <어린 빛, 물음, 사물>(오브제후드, 부산, 2025), <다정한 고요 : Sea of Nowhere>(오브제후드, 부산, 2024), <아무도 살지 않는, 이랜드 문화재단 10기 공모작가 개인전>(가산 이랜드 사옥, 서울, 2020) 등이 있다. 또한 <띠 그림전 : 말>(이천시립월전미술관, 2026), (유아트스페이스, 2026), <제 4회 뉴드로잉 프로젝트> (양주시립장욱진미술관, 양주, 2019)등 다수의 그룹전에 참여하였다. 2017년 안견 사랑 전국 미술대전 최우수상, 2019년 아시아프 프라이즈 특별상, 2022년 인카네이션 문화예술재단 창작지원금을 수상하였으며, 2018?2019년 한성대학교 캠퍼스타운 예술가 레지던시 입주작가로 활동한 바 있다. 작품은 국립현대미술관 미술은행(서울)과 서산문화관(서산) 등에 소장되어 있다.

이미정 (b.1988)은 동시대의 보편적 감각을 ‘조립식 회화’라는 고유의 형식으로 재구성하여 미감의 구조를 관찰하고 재조직함으로써 동시대 시각문화의 구조를 탐구한다. 홍익대학교 도예·유리과와 회화과를 졸업하고 서울과학기술대학교 조형예술과 대학원에서 석사학위를 취득하였다. 주요 개인전으로는 (송은아트큐브, 2020), (아트딜라이트, 2018), <위로는 셀프>(OCI미술관) 등이 있으며, (송은, 2022), <새일꾼 1948?2020>(일민미술관, 2020), (서울시립미술관 프로젝트 갤러리, 2018) 등 유수의 기관에서 열린 단체전에 참여하였다. 또한 관두미술관 레지던시 프로그램(2017), 서울시립미술관 난지미술창작스튜디오(2020), 국립현대미술관 고양레지던시(2021) 입주작가로 활동했으며, 작품은 OCI미술관(서울), 국립현대미술관(서울), 관두미술관(대만) 등 국내외 주요 기관에 소장되어 있다.

이정웅 (b.1982)은 회화적 재현을 넘어 현실과 상상이 교차하는 환영적 표상의 세계를 구축한다. 성균관대학교 미술학과를 졸업하였으며, 런던과 서울을 중심으로 활동해왔다. 2015년 (Shine Artists Gallery, 런던), 2018년 (Pontone Gallery, 런던), 2022년 (옵스큐라, 서울), 2024년 (옵스큐라, 서울)을 비롯해 총 9회의 개인전을 개최하며 작업 세계를 지속적으로 확장해오고 있다. 주요 단체전으로는 (모스크바 뮤지엄, 모스크바, 2021), (D/P, 2021), (옵스큐라, 2021), (Shine Artists Gallery, 런던, 2014), <두-윈도우 vol.2>(갤러리현대, 서울, 2010) 등이 있다.



ATELIER AKI presents the group exhibition 《Objects in Time》 from March 12 to April 25, featuring millennial artists Kim Hyeyeong, Lee Jeongwoong, and Lee Mijung. Reinterpreting still life through a contemporary lens, the three artists collectively reshape how the object is understood in contemporary art today. Working across painting and sculpture, the three artists transform everyday objects into vessels of memory, emotion, and perception. For them, objects are not passive or static forms, but entities shaped by use, duration, and the subtle traces of lived experience. Though composed with restraint and quiet clarity, these forms contain layered histories and underlying tensions, coming together within the exhibition as moments where stillness and accumulated time converge.

Kim Hyeyeong (b. 1995) builds heterotopic spaces that rearrange motifs drawn from real landscapes into a time structure separate from chronological experience. In this exhibition, she turns to objects as a means of exploring the structure of relationships. While her paintings appear to reconstruct reality, specific places and temporal markers are suspended; disparate elements are placed side by side, forming an additional spatial layer. The painting thus moves beyond representation, becoming a field where the logic of reality is momentarily unsettled and reconfigured.
Her 30-piece series begins with the image of a large table. The table functions not only as a physical surface upon which objects rest, but as a social site where people meet and relationships take shape. The objects placed upon it seem, at first glance, to represent possession, or things that are “owned.” Yet through subtle narrative interventions, the artist renders the distinction between ‘having’ and ‘not having’ ambiguous. Within the same space, the two conditions coexist without clear separation: some objects remain as distant embodiments of desire, while others linger briefly before fading. In this way, Kim’s paintings reveal how objects dwell, permeate, and disappear, forming meaning through their passage in time. They gently remind us that the objects we encounter in daily life are not merely functional things, but presences layered with temporal depth.

Lee Jeongwoong (b. 1982) constructs a world of illusory representation where reality and imagination intersect. Reinterpreting the classical genre of still life through a contemporary lens, his compositions are quiet yet never inert. The objects he depicts are not mere representations but forms filtered through time and illusion: selected, distilled, and imbued with meaning. The canvas does not function simply as a surface upon which objects rest; rather, it becomes a structural field where multiple worlds and temporalities overlap.
In the new series unveiled in this exhibition, Lee reframes still life within the conceptual framework of the Cabinet of Curiosities. Objects no longer appear as isolated subjects but as elements of a curated collection shaped by the artist’s contemplation, taste, and acts of selection. In Fish with Webbed Feet and Swan’s Head and Ranunculus, the curved neck and wings of a hunted bird echo the shape of a withering flower, suggesting the fragile boundary between vitality and decay. The fish, seemingly drawn from the abyss of emotion, emerges as a hybrid presence suspended between reality and imagination. Much like medieval bestiary, illustrated books from the Middle Ages that described real and imaginary animals, sought to comprehend the world by merging the real and the fantastical, Lee’s paintings likewise function as spaces where reality and illusion intersect. Through meticulous observation, Lee’s works reveal the accumulation of time. Subtle shifts in petal color under changing light, and the shadows grazing feathers and scales, render visible the passing of time embedded within still forms. Though the objects appear motionless, their surfaces hold layered traces of time and resist fixed definition, gradually transforming into forms reflecting the duration of time. Through this process of transformation, the object moves beyond its material presence. It undergoes an ontological transition, becoming a charged entity infused with the artist’s imagination and conviction. Familiar forms are dismantled and reassembled, reemerging as unfamiliar images that carry renewed meaning.

Lee Mijung (b. 1988) examines the structural logic of contemporary visual culture through her experimental format of “modular painting.” In this exhibition, she presents new works centered on objects situated within time. In works such as , she continues her sustained exploration of the window and the frame as compositional frameworks. Elements marked by temporality such as light, stars, and the gradual passage of a day are assembled alongside everyday objects, while the frame operates not simply as a boundary but as a device that constructs “time within the frame.” Here, the window and frame do not immobilize a single scene; instead, they function as structures that organize the coexistence of multiple temporal layers.
This spatial logic becomes particularly vivid in and , where a high table with a wine glass and a low table set with snacks appear within the same composition. The elevated wine glass gestures toward adulthood, while the lower table evokes childhood. Different rhythms of life and perspectives intersect within one scene without hierarchy. Rather than separating these temporalities, the shifting vantage points and placement of objects allow them to overlap, transforming the objects from static forms into carriers of memory and lived experience.


About Artist

Kim Hyeyeong (b. 1995) constructs a ’Heterotopia’, a private, contemplative space where reality and inner consciousness converge, cultivating an atmosphere of solitude and quiet introspection. Kim graduated from the Department of Oriental Painting at Duksung Women’s University. Her selected solo exhibitions include Young Light, Question, Object (Objecthood, Busan, 2025), Sea of Nowhere (Objecthood, Busan, 2024), and Where No One Lives (The 10th E-Land Cultural Foundation Contest, Seoul, 2020), and she has also participated in numerous group exhibitions such as Zodiac Painting Exhibition: Horse (Woljeon Museum of Art Icheon, 2026), Animalia: Another Perspective on Existence (UARTSPACE, 2026), and The 4th New Drawing Project (Chang Ucchin Museum of Art, Yangju, 2019). Kim received the Grand Prize at the Korea Angyeon Grand Art Competition (2017), the Special Prize at the Asian Students and Young Artists Art Festival (2019), and a Creation Grant from the Incarnation Cultural Arts Foundation (2022). She was also an artist-in-residence at the Hansung University Campus Town Artist Residency (2018?2019). Her works are included in the collections of National Museum of Modern and Contemporary Art, Art Bank (Seoul), and Seosan Cultural Center (Seosan).

Lee Jeongwoong (b. 1982) constructs a world of illusory representation where reality and imagination intersect. He graduated from the Department of Fine Arts at Sungkyunkwan University and has been active primarily in London and Seoul. Lee has held nine solo exhibitions to date, including notable solo exhibitions such (Shine Artists Gallery, London, 2015), (Pontone Gallery, London, 2018), Notwithstanding (Obscura, Seoul, 2022), and X MISSION X (Obscura, Seoul, 2024). His work has also been featured in major group exhibitions such as (Museum of Moscow, Moscow, 2021), (D/P, 2021), (Obscura, 2021), (Shine Artists Gallery, London, 2014), and (GALLERY HYUNDAI, Seoul, 2010).

Lee Mijung (b. 1988) explores the structural logic of contemporary visual culture by reconstructing the shared visual language of our time through her distinctive format of “modular painting.” By assembling, dissecting, and reorganizing elements, she observes and reconfigures the very structure of aesthetic perception. Lee received her BFA in Ceramics & Glass and Painting from Hongik University and earned her MFA in Fine Arts from Seoul National University of Science and Technology. Selected solo exhibitions include (SongEun ArtCube, 2020), (Art Delight, 2018), and (OCI Museum of Art), alongside notable group exhibitions such as (SongEun, 2022), (Ilmin Museum of Art, 2020), and (Seoul Museum of Art, 2018). In addition, Lee has been an artist-in-residence at Kuandu Museum of Fine Arts (Taipei, 2017), SeMA Nanji Residency (Seoul Museum of Art, 2021), and MMCA Goyang Residency (National Museum of Modern and Contemporary Art, 2022). Her works are held in the collections of major institutions including OCI Museum of Art (Seoul), the National Museum of Modern and Contemporary Art (Seoul), and Kuandu Museum of Fine Arts (Taipei).

전시제목사물의 시간 Objects in Time

전시기간2026.03.12(목) - 2026.04.25(토)

참여작가 김혜영, 이미정, 이정웅

관람시간10:00am - 07:00pm

휴관일일요일 휴관

장르회화, 조각

관람료무료

장소아뜰리에 아키 atelier aki (서울 성동구 서울숲2길 32-14 (성수동1가, 갤러리아 포레) 1층)

연락처02.464.7710